For some time, the artist, Alessandra Risi has been collecting elements of expanded territories. Elements as tangible as her prominent collection of matches, now translated into fragmented paintings and canvases interpreting subtle memories from everyday life. For Fragmented Landscapes, the artist composed a symphony of velvety gray greens, sometimes opaque, dramatically juxtaposed against reddish soil or vibrant purples. Her tone for narrating holds a mysterious low tone, defined contrast, and cloudy atmosphere that could be easily identified from South American ecosystems, referencing the legacies of a specific South American school of landscape painting, and 20th-century Italian cinema.
With this collection of ten paintings, Risi fosters a platform for intimate conversations of post-isolation. During her recent residency in Mahon, Menorca, the artist contemplated questions about the self. The comparison of our internal red and the red distill of some of the aloes brought questions of observing our cosmology, as well as islands. In selecting pieces of different dimensions, the artist brings a comparative study of the cosmos and our relationship with a universe that has its own time and that we access through indigenous knowledge. Giving shape, as the artists mention “...to the idea of the cycles of women and, in turn, of the earth.” observing the painting and its interpretation as a universal fragmented cartography.
The Fragmented Landscapes collection encompasses two general themes: the exercise of memory keeping as resistance to forgetting and the documentation of plants and landscapes to investigate their source and our relationship with them. Some of the pieces starring this collection are connected under the family of Aloes, one in particular, Viola which is an interpretation of a Huitzquilitl. The plant originally named in Nahuatl, started to appear on the radar of the Western world through a series of illustrations commissioned for the Booklet of Medicinal Plants of the Indians, popularly known as the Badianus Manuscript, published in 1552. This Aloe Maculata was both exoticized by colonial powers for its mix-textured surfaces and later commercialized during a European epidemic, which used its agave to treat a nuanced emotional disorder loosely interpreted as “depression”. With pieces such as Viola, or Raices, the artist brings an undertone of Nostalgia, often referenced as a post-migration emotional reaction pre-depression. While propagating,
plants may experience emotional reactions to new soil and need their own particular time and care to assimilate to the conditions of the new weather.
For “Raices” the artist translated the image of a cutting with some of the roots already grown after a period of propagating. In both cases, the image and the title present an intention from the artist to delve into a larger conversation about belonging and expansion. The English translation of ‘Raices’ as ‘roots’ allows the public to start the conversation of multiple lines of belonging. Some of these plants, such as the Huitzquilitl or the White Begonia Maculata, are lately popularized by the digital lifestyle sector, and the plant seeds or roots are available for purchase through digital transactions and commercial global shipping.
Fragmented Landscapes in this case bring the opportunity to observe the ever-evolving conceptions of memory and the evocative gestures involved in re-claiming, altering, or constructing moments. Sometimes, touching gentle gestures of oniric visualities, as seen in ‘Pesadilla.’ Other times, it delves into the excruciating exercise of remembrance, as in the delicate multiples that ultimately formed ‘Sa Mesquida’ or ‘Islote.’ The multiples, belonging to the family of Aloes-Vera, with roots in Latin ‘veritas,’ are now entering the northern side of the continent. The temperature here could evoke memories of a similar ecosystem for both the artist and the South American diaspora, now establishing new roots in the Vancouver contemporary art scene.
- Dulcina Abreu.
Taxonomic references by: Steve Maldonado.
Curatorial text by Dulcina Abreu, Addition Gallery Vancouver
We are islands, and we connect under the sea.
We appear to be islands, connected only with what is at the bottom of the sea, the Earth. But intrinsically we are extremely connected. We are a constant energy, we are a whole that moves, thinks and connects with infinite possibilities. Earth woman, animal, wild beast. Occupy and will always occupy the land that corresponds to it, even if man wants to tame it. Naked body, island inside, internal red current that goes towards the light. Warming spilling into murky waters. Islet. Nature invades the human, it represents the character we have inside, it comes out by grabbing my problems and transforming them. New processes, adaptation, wondering and relating. The painting has strength and character on its own. Endless labyrinths of life that I relate to the landscape of Menorca, stones, paths, roots that adapt to a space. The clouds caress the sky, a peace in space, as the days go by you feel the internal strength of the island.
Within the residence in Mahón, Menorca, I develop a series of paintings related to wild nature, the controversy of being islands and being connected and separated at the same time. A post isolation moment. Nature as a female body, fragmented images that together form a whole (islands). The warm-up and the body like a naked island. Color is a key axis for reading each object or plant. I play again with the matchboxes and a box of string that has a painting of a fish on it. Round canvases giving shape to the idea of the cycles of women and, in turn, of the earth. There is a great contrast in the different formats, paintings of 2 meters while the smallest of 3 centimeters.
____
Aparentamos ser islas, conectadas únicamente con lo que esta por el fondo del mar, La Tierra.
Pero intrínsecamente estamos sumamente conectados. Somos una energía constante, somos un todo que se mueve, piensa y conecta en infinitas posibilidades.
Mujer tierra, animal, bestia salvaje. Ocupo, ocupa y ocupara siempre el terreno que le corresponde, aunque el hombre lo quiera domar. Cuerpo desnudo, isla por dentro, corriente roja interna que va hacia la luz. Calentamiento que se derrama en aguas turbias. Islote.
La naturaleza invade al humano, esta representa al carácter que tenemos adentro, sale al agarrar mis problemas y transformarlos. Procesos nuevos, adaptación, extrañar y relacionarse. La pintura tiene fuerza y carácter por sí sola. Laberintos de vida interminables que los relaciono con el paisaje de Menorca, piedras, caminos, raíces que se adaptan a un espacio. Las nubes acarician el cielo, una paz en el espacio, con el paso de los días sientes la fuerza interna de la isla.
Dentro de la residencia en Mahón, Menorca, desarrollo una serie de pinturas relacionadas a la naturaleza salvaje, la controversia de ser islas y estar conectados y separados al mismo tiempo.
Un momento post aislamiento . La naturaleza como un cuerpo femenino, imágenes fragmentadas que juntas forman un todo (islas). El calentamiento y el cuerpo como una isla desnuda.
El color es un eje clave para la lectura de cada objeto o, planta. Juego nuevamente con las cajas de fósforos y una caja de hilos que tiene la pintura de un pescado. Lienzos redondos dando forma a la idea de los ciclos de la mujer y a su vez de la tierra.
Hay un gran contraste en los distintos formatos, pinturas de 2 metros mientas que las más pequeñas de 3 centímetros.
Cuerpo Salvaje
En la vastedad de los océanos, las islas emergen como vértebras de la Tierra. Unas nacen de erupciones volcánicas y ven su morfología cambiando con cada estallido, mientras otras de coral se tejen a través de cientos de años con la arena de las costas menos profundas. Ante estas manifestaciones tan diferentes resulta, pues, corta la definición de islas como porciones de tierra rodeadas por agua, ya que cada una tiene una personalidad propia: algunas fogosas como el magma y otras resilientes como un arrecife.
Tras su residencia en Menorca, envuelta por agua, Alessandra redescubre el significado de isla y reluce su simbología intrínseca, aquello que resulta esencial, pero invisible a los ojos. Además de las crestas que se elevan sobre el océano, las islas se encuentran conectadas por un entramado subacuático que escapa de la vista. Esta ambivalencia geográfica y sensorial le permite a la artista presentar un nuevo motivo semántico y pictórico: por un lado, el colectivismo que representa aquella unión submarina del manto terrestre y, por otro, la individualidad y diversidad propia de las islas cuando sobresalen del nivel del mar. Las islas son cuerpos femeninos, salvajes y desnudos que forman un pétreo tejido vital de realidades entrelazadas y conexiones profundas.
La obra que presenta Alessandra en «Cuerpo salvaje» nos permite recordar no solo el carácter femenino íntimo de estos cuerpos amalgamados, sino también la enorme pluralidad que albergan. La muestra es, ante todo, un análisis de la dualidad entre el ser femenino y la naturaleza, entre lo propio y lo comunitario, pero también de la pugna entre la independencia de cada isla respecto de los ciclos naturales, reflejados, ciertamente, en los cambios climáticos. Las pinturas de la artista desentrañan las capas profundas de estas conexiones invisibles y exploran cómo los ciclos geológicos y atmosféricos son, a su vez, los ciclos de cambio y crecimiento.
Para reflejar esto, la pintora ha escogido imágenes fragmentadas que forman un todo, pinturas que evidencian el detalle cotidiano de un paisaje insular, de su vegetación, de la ancha captura de la interconexión submarina o los trazos híbridos entre la flora, la roca y el cuerpo femenino. Estas postales desprenden la nerviosa emoción de lo individual en contraposición a lo colectivo, como resultan los ciclos inherentes a la naturaleza y a las mujeres, registrados a través de las diversas tonalidades de rojo que recuerda lo monolítico e imperturbable de los periodos naturales, desde los oleajes hasta la menstruación.
«Cuerpo salvaje» invita al espectador a sumergirse en un mundo de diálogos ambivalentes sobre las islas como vértebras que, parafraseando a la poeta Rosella di Paolo, han sido echadas a lo largo del mar para para fijar su ritmo al vaivén de la tierra. Apelando a la cotidianidad del paisaje, la artista nos recuerda que lo esencial es, de hecho, invisible a los ojos, y que lo colectivo es, también, inherente a lo individual.
-Ignacio Salinas.
En esta obra, Risi nos traslada a un espacio íntimo donde se superponen tensiones personales relacionadas con el cuerpo y la cotidianidad. Con un estilo pictórico caracterizado por el trazo "rápido y suelto" (según Risi), su trabajo suele enfocarse en la contemplación de objetos variados, algunos de ellos domésticos, y en el propio ejercicio de mirar desde la ensoñación, a través de sentimientos personales efímeros y, a veces, opacos. La artista propone una pieza que evoca una experiencia onírica inquietante, la cual podemos conectar con el miedo a la pérdida de la identidad; experiencia que se inscribe en el cuerpo cuando se le somete a la mirada disciplinaria de los mandatos sociales sobre lo femenino.
La artista acompaña la propuesta con el siguiente texto poético:
Pesadilla en sueños
Sueños que invaden,
Pelos caen sin poder cerrar la manija,
El negro torna rojo.
Un alma se esconde, está pero no está.
Suspiro y me levanto.
- Carlos Zevallos T
Copyright © 2023 Alessandra Risi Castoldi - Tutti i diritti riservati.